1
Brian Eno
《Always Returning 》
此曲来自氛围音乐先驱Brian Eno多年以前的配乐专辑《Apollo:Atmospheres》，悦耳、祥和，且充满空间感。可以用作助眠的背景，也可以用作思考的背景，总之，它令人平静。
而实际上，这首作品的配乐影片，是一部以阿波罗登月为题的纪录片。在上个世纪闻名世界的“太空竞赛”中，苏联把人送去了大气层外，而NASA则成功登陆月球。有意思的是，在NASA成功登月之前，曾经历过无数次失败的实验，其过程中甚至夺走了几位宇航员的生命。而人们记住的，终归是一个叫做阿姆斯特朗的人。以及那句“我的一小步，人类的一大步”的名言。
从太空中看地球，一切似乎都微不足道。表面上，那是一场“竞争”，如同赛跑一般，看谁跑得更远。但无论是竞争者的任何一方，既然都已经将“远处”作为“终点”，其底层逻辑，是人类心灵对于“扩张”的需求。
《Always Returning》一曲，听众可自行想象漂浮于太空中的场景，且并不违和，这是音乐通过联觉所达到的场景想象功能。也许它的背后，暗示人类趋同“归一”的欲望。所谓“扩张”，是因为对于外界并不“全知”，而“全知”，意味着没有什么“可知”了，同等于“一”。于此，我们可以漫步宇宙星河，且毫无顾忌。
而月亮上面没有嫦娥玉兔，没有广寒宫，只有一个又一个历经无数彗星撞击而留下的陨石坑。但月亮不是终点，毕竟在人类找到“一”之前，我们永远都会投射出另一个月亮，重要的，并不是那个终点，是去往终点的过程。
2
Mandarin
《躲 Hide》
本月10日，Mandarin发布同名专辑《Mandarin》。同时，这也是他们组队以来的第一张专辑，而自从在《乐队的夏天》第二季舞台上露面之后，这支乐队的知名度便获得相当大的提升。乐队中的三人：安雨、Chace、肖骏皆为九零后，作为中国独立音乐的“新世代”，他们的确为听众带来了不一样的声音。
从《躲 Hide》一曲中，我们可以听到，Mandarin在自己原创作品上的编曲是相对简洁的。在这种简洁之下，肖骏在吉他上的分解、Solo；Chace在演唱时所使用的延时效果；安于在鼓上所使用的演奏方式，都能够得到非常清晰的表达，也即，听众可以很清晰地听见这些声音的每一种分明的层次。
比较明显的一点是，Mandarin非常看重“音色”的使用。早在《乐队的夏天》第二季中，他们曾表演过《Echo 回声》一曲，其中安雨特地解释他是如何利用鼓皮来制造相对较“干”的军鼓音色。而类似的音色，在《躲 Hide》一曲中也可以听见。
在歌词中，Chace唱到：“越想着魔，越想逃脱；要么沉默，要么唱歌。”以及“没情绪的我，似乎没得躲。”而也许因为听众普遍更在意Mandarin在“音乐性”上的表达，使得他们的歌词并未获得像其音乐那样的广泛关注，但实际上，Mandarin的歌词同样有其个性化之处。所谓“要么沉默，要么唱歌”，而“沉默”和“唱歌”之间，还有日常化的语言表达，也即包含清晰的思路、逻辑。但似乎，Mandarin制造的，是一种极为朦胧、弥散性的语境，这种语境，是其文本内容个性化的部分之一。
众所周知，肖骏的标签之一，是“爵士”。而在爵士乐中，经过和弦与音阶的搭配、替代思维，有时经常会制造出让人耳目一新的效果。《躲 Hide》一曲中的Solo部分，能很明显听出肖骏在爵士乐中所受的深刻印象，而同时，这种影响又是经过了他个人化理解的。其中的变奏部分，甚至有Math Rock的听感。
3
Plini
《Papelillo》
在前卫金的乐迷群体中，Periphery、Polyphia、Plini经常被放在一起谈论，简言之，他们的音乐都具有极为浓厚的现代化金属特点，也因此延伸出“Djent”的概念。普遍来说，最容易受此类音乐影响的人，当属吉他手群体。
前段时间，“Musicradarofficial”发起一项名为“当今世界十大前卫吉他手”的投票，Plini最终位居第三。而今年11月底，他也同时发布了自己的新专辑《Impulse Voices》，不得不说，Plini在自己的音乐中，如鱼得水。
专辑中有《Papelillo》一曲，开场非常直接，没有铺垫，没有Intro，其中的鼓和Bass响度极大，而这也是Plini音乐中的一大特点，他会特意突出鼓和Bass的声部，创造出Djent音乐中的律动扎实、浑厚、有力的标志性特色。而同时，作为一个极为出色的吉他手，他非常清楚他手里的吉他应该在什么时候做些什么。如同《Papelillo》的开场，在鼓和Bass的基地之上，他演奏出了相当明显的包含各类延伸音的和弦，在古典音乐中，有“高叠和弦”一说，而在爵士乐中，这些和弦则变成至少以七和弦为基础的九、十一、十三、变化属、挂留等和弦。再配合其律动，Plini制造出了开场的点缀效果，并以此引入其Solo部分。在这个过程里，吉他的角色得到了流畅的转换。而尽管这段开场非常短暂，但要做到这种流畅性，需要的是非常深厚的音乐功底，或者说艺术功底。
Plini的专辑在除去音乐本身之外，还有另一大特点，即他的专辑封面都设计得非常漂亮。而这张《Impulse Voices》的专辑封面，甚至会让听者误以为是一本有关于鸟类、鱼类、猿类的童话书封面。
在“Musicradarofficial”的文案里，曾描述Plini为“he stands alone”，而的确，像他这样的音乐人，在澳洲并不多见。也因此，他足以成为前卫金属在澳洲的标志性人物。而同时，这也侧面说明了新世纪的音乐正在蔓延至世界的无数角落，无论中国或澳洲，皆是如此。
4
春晓乐队
《零》
春晓乐队来自西安，两年前组队，知名度还并不广泛。在其艺人主页的简介中，他们描述了自己为“让非洲喝不上水的孩子们听到摇滚乐，让大山里吃不到冰淇淋的孩子听到摇滚乐。让身陷囹圄的人们听到希望的声音，让挣扎在情欲中的男女听到爱的声音。”
很显然，这些话里包含的含义，依然离不开现代人所面临的一系列问题，以及这些问题所制造出的内心的冲突和迷茫。在其作品《零》一曲中，他们曾写：“还要多久我才能属于我自己。我 又梦到了你，在你开放的季节。漫山遍野全都是你！妈妈，还要多久我才能回家？”
“属于我自己”对应的，是“不属于自己”。在当今的现代化进程中，这是许多人所面临的现实问题，或者说“心灵现实”，且并不令人喜悦，因为它的确很沉重。而这沉重间所包含的不仅是单纯的“难过”，而是可以被分解成包含愤怒、敌意在内的各类抑郁情绪。《零》一曲，用大段的器乐来贴合这类冲突。而其歌词，是以念白方式呈现。
2020年接近尾声，而这一年里，因疫情所制造的一切，使得人们的生活秩序被打乱。而在人类历史上，此次疫情并不是唯一的大规模疾病。随着漫长世纪的更迭，我们一次又一次地找到解决客观难题的方案。但身而为人，因“心智”而成人。但“心智”上的问题、冲突、分裂已是常态，其个中缘由，依然需“心智”解决。
5
David Gilmour
《Yes, I Have Ghosts》
《迷墙》之后，Pink Floyd陷入困境，这些困境共同存在于音乐和乐队的人际关系中。而随着Roger Waters的离队，David Gilmour便成为了乐队的绝对核心，并于1994年发布专辑《The Division Bell》，成功将Pink Floyd再次推向巅峰。可以说，David Gilmour救活了Pink Floyd。
2015年，David宣布Pink Floyd解散，而后，他于2016年重回庞贝古城，举行了一场个人演唱会。再往后，他便拍卖掉了自己的吉他，而他和Pink Floyd之间的关系，也彻底被留在了过往。
今年7月，David Gilmour发布个人单曲《Yes, I Have Ghosts》。对于这首作品，我们无须进行音乐上的评鉴、分析，凭喜好聆听即可。
如今的David Gilmour已经七十有余，一头白发。而当乐迷们回首他的过往，皆名利双收，且并非昙花一现，而是永久地在摇滚乐的领域中留下了自己的名字，而这只是乐迷们的看法，于他自己而言，除了音乐本身，我们也的确无处了解他本人的感受。
《Yes, I Have Ghosts》一曲中，他邀请他的女儿Romany Gilmour 一同演唱，如同吟游诗人一般，其歌词写：“Yes,i have ghosts,not all of them dead.And they dance by the moon,millstones white as the sheet，On my bed。/是，有魂魄跟随于我。他们在月光下跳舞，洁白如床单。”
也许，在David的人生中，魂魄皆真实，而也许这魂魄里还包括曾经的Syd，也许又不是，而无论是或不是，我们也都无从知晓，也不必知晓，毕竟在漫长的人生中，每一个人都可能成为跟随每一个人的魂魄，而这魂魄，有时无关生死。
6
惘闻
《孤独的鸟》
9月24日，惘闻新专《十万个为什么》发布。其中《孤独的鸟》一曲被乐迷翻译成“Lonely Bird”，并笑称为“Lonely God”的姐妹篇。
《孤独的鸟》一曲基本和声框架为IV－IIIm－IV－V，形成下属－属－下属－属的循环。而尽管这首作品为A大调，但全区自始至终都并没有出现过主功能和弦A（6 、#1 、3），也因此，这首作品在调性上未得到“解决”，从而形成一种持续不断、悬而未决的听感。
当然，对于部分乐迷而言，分析后摇滚作品的和声框架，显得太过学术化。更多的人，是从感受上去理解的。而这首作品，很显然不是一首欢快，令人兴奋的作品。它调动的，更多的是弥散性的孤单、平缓，或是悲伤感。这一点也许和它极为缓慢的律动有关，缓慢到几乎没有了律动。
其中底鼓的重音，如同钝击，恍若巨人的脚步，沉缓前行。每一步之间的间隔都显得冗长。而在全曲漫长的7分多钟里，更显得无边无际。再冠以号角、贝斯的长音；吉他的噪音；钟琴的叮咛，以及接近人声颤音的采样音色，似乎都让这场巨人的旅途变得矛盾、挣扎，像渴望辽阔海面的人，身陷海底。
而这反而让“孤独的鸟”四个字听上去更为潇洒，因为它的背后，更像是“绝望的海底巨兽”。
7
Men I Trust
《Show me how》
Men I Trust是一支女主唱乐队，来自加拿大，在聊完了前文的矛盾、冲突、魂魄，以及“绝望的海底巨兽”之后，我们推荐Men I Trust，因为他们的音乐令人感到轻巧、惬意。
实际上，这类型的风格多少有些偏向“Dream Pop（梦幻流行）”，在制作上包含了许多对于混响、延时的应用，音色也相对温和，律动相对简洁，没有太多复杂的变化。但其中所运用的许多和声，也多少又脱胎于爵士乐的概念。也因此，这类型的音乐简单又不失层次。而所谓“梦幻流行”中的“梦幻”二字，我们一听便知。
而在歌词上，他们写：“i’m having visions of you ,but then i understand,the friend i’m dreaming of is far away ,and doesn’t feel my love,but i do .（我看到你的幻影，但我后来才清醒。我梦中的你远在天涯，你不能感觉到我的爱，但我还是这样爱你。）”
很显然，听众一听便知其文本内容在描述什么话题，所以在此也不再赘述，所以我们更希望通过这首歌传递“音乐”本身听感上所带来的轻巧、惬意，当然了，若是听众愿意沉浸在“我还是这样爱你”的语境里，那也没有问题：）
8
万能青年旅店
《冀西南林路行（专辑全长）》
10年前，姬赓在《揪心的玩笑与漫长的白日梦》里写：“来到自我意识的边疆，看到父亲坐在云端抽烟。”众所周知，姬赓喜爱黑格尔，一位热衷于探讨“意识”的哲学家。而“意识”有“显”意识，有“潜”意识，在这个领域中，我们肉眼可见的现代文明，实则是“潜”意识的“升华”。
万青新专，封面有麒麟摆尾、半卧、回望，如同谜语从“潜”意识中显形，又以“测量绘图，爆破合围，加固文明幻景，开山拦河建水库，泥沙沉积，运动停息”来描述“升华”的表象，而其最终落笔处，是“我有迷魂，额头滚烫。我有迷魂，人间明暗。鸟兽暗语，危险消息。自然友谊，自然躲避。”
迷魂、鸟兽、暗语、自然，在“潜”意识的世界里，不存在客观，一切皆主观。也因此，姬赓笔下所阐述之事为何物，并没有客观答案。他只是说，每一个人的世界里，都有一只墨麒麟，而探寻这只麒麟的旅途，则是每一个人自己的“冀西南林路行”，是人人皆入“太行山”。
新专辑共有两个版本，其中一个是“专辑全长”版，也即“整轨版”。这种做法来源于“概念专辑”，即所有歌曲之间没有间隔，前一首的结尾是后一首的开头。最著名的例子，如披头士《Sgt.Pepper’s Lonley Hearts Club Band》,又如Pink Floyd《Dark Side of The Moon》，而在国内，这样做的人并不多。
同上一张专辑相比，万青的吉他部分显得更为克制，同时也更多让位于管弦乐。而作为一支以Blues为基底的乐队，此次又更向前迈了一步，加入了不少的爵士乐元素。如《绕越》一曲中，贝斯的walking bass line，爵士鼓的碎拍，以及小号的Bebop乐句，皆是标志性的爵士色彩。
《冀西南林路行》一专，乐迷期待十年之久，一经上线，便获得令人惊讶的销量，截止到发稿期，此张专辑已售出36万余张，销售额达到近800万元。尽管万青已经被乐迷以“传奇”相称，但他们依然还有很长的未来，拥有无限的可能性。也许万青真有华盖星盘旋其上，又有驿马助其踏遍十方，名扬四海。
9
Sufjan Stevens
《Sugar》
Sufjan Stevens出生于1975年，但他的音乐，则像2020年。本期歌单最后一首，我们推荐他的《Sugar》。
此曲前半部分为纯音乐，后半部分则加入人声。当然，在此要说明“纯音乐”这个名词并不存在于任何音乐理论中。所谓“纯音乐”，是流行文化对于一首只有器乐，没有演唱部分的音乐作品的定义。这首《Sugar》的前半部分，没有演唱，故在此称为“纯音乐”。
在此曲中，我们可以听到现代（指现代流行音乐）音乐的标志性元素之一：电子、碎拍、音效。而在某种程度上，“电子”和“音效”殊途同归。自从音乐技术发展到21世纪之后，人们借助科技，打破了过往因为音色、音效上的壁垒。当这些部分得到探索和实践，再结合音乐中传统的和声、节奏等元素，我们便得到了新的“风格”。
故此，《Sugar》一曲，更是听觉上的纯粹感受，若我们将其中的所有声音一一拆解，会发现它实际上有些复杂，但这一切复杂之物，却又铺陈于一气呵成的，接近于舞曲的律动之上。于是这二者相互影响，后者的存在，使前者不那么晦涩，而前者的存在，则使后者不那么苍白。这是一个熊和鱼掌兼得的做法。
2020年马上过去，音乐会发展，而人也会朝着远处前进。于此，提前预祝大家新年快乐，我们1月再见。
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