1
Brian Eno
《Always Returning 》
此曲來自氛圍音樂先驅Brian Eno多年以前的配樂專輯《Apollo:Atmospheres》，悅耳、祥和，且充滿空間感。可以用作助眠的背景，也可以用作思考的背景，總之，它令人平靜。
而實際上，這首作品的配樂影片，是一部以阿波羅登月為題的紀錄片。在上個世紀聞名世界的“太空競賽”中，蘇聯把人送去了大氣層外，而NASA則成功登陸月球。有意思的是，在NASA成功登月之前，曾經歷過無數次失敗的實驗，其過程中甚至奪走了幾位宇航員的生命。而人們記住的，終歸是一個叫做阿姆斯特朗的人。以及那句“我的一小步，人類的一大步”的名言。
從太空中看地球，一切似乎都微不足道。表面上，那是一場“競爭”，如同賽跑一般，看誰跑得更遠。但無論是競爭者的任何一方，既然都已經將“遠處”作為“終點”，其底層邏輯，是人類心靈對於“擴張”的需求。
《Always Returning》一曲，聽眾可自行想象漂浮於太空中的場景，且並不違和，這是音樂通過聯覺所達到的場景想象功能。也許它的背後，暗示人類趨同“歸一”的慾望。所謂“擴張”，是因為對於外界並不“全知”，而“全知”，意味著沒有什麼“可知”了，同等於“一”。於此，我們可以漫步宇宙星河，且毫無顧忌。
而月亮上面沒有嫦娥玉兔，沒有廣寒宮，只有一個又一個歷經無數彗星撞擊而留下的隕石坑。但月亮不是終點，畢竟在人類找到“一”之前，我們永遠都會投射出另一個月亮，重要的，並不是那個終點，是去往終點的過程。
2
Mandarin
《躲 Hide》
本月10日，Mandarin發佈同名專輯《Mandarin》。同時，這也是他們組隊以來的第一張專輯，而自從在《樂隊的夏天》第二季舞臺上露面之後，這支樂隊的知名度便獲得相當大的提升。樂隊中的三人：安雨、Chace、肖駿皆為九零後，作為中國獨立音樂的“新世代”，他們的確為聽眾帶來了不一樣的聲音。
從《躲 Hide》一曲中，我們可以聽到，Mandarin在自己原創作品上的編曲是相對簡潔的。在這種簡潔之下，肖駿在吉他上的分解、Solo；Chace在演唱時所使用的延時效果；安於在鼓上所使用的演奏方式，都能夠得到非常清晰的表達，也即，聽眾可以很清晰地聽見這些聲音的每一種分明的層次。
比較明顯的一點是，Mandarin非常看重“音色”的使用。早在《樂隊的夏天》第二季中，他們曾表演過《Echo 回聲》一曲，其中安雨特地解釋他是如何利用鼓皮來製造相對較“幹”的軍鼓音色。而類似的音色，在《躲 Hide》一曲中也可以聽見。
在歌詞中，Chace唱到：“越想著魔，越想逃脫；要麼沉默，要麼唱歌。”以及“沒情緒的我，似乎沒得躲。”而也許因為聽眾普遍更在意Mandarin在“音樂性”上的表達，使得他們的歌詞並未獲得像其音樂那樣的廣泛關注，但實際上，Mandarin的歌詞同樣有其個性化之處。所謂“要麼沉默，要麼唱歌”，而“沉默”和“唱歌”之間，還有日常化的語言表達，也即包含清晰的思路、邏輯。但似乎，Mandarin製造的，是一種極為朦朧、彌散性的語境，這種語境，是其文本內容個性化的部分之一。
眾所周知，肖駿的標籤之一，是“爵士”。而在爵士樂中，經過和絃與音階的搭配、替代思維，有時經常會製造出讓人耳目一新的效果。《躲 Hide》一曲中的Solo部分，能很明顯聽出肖駿在爵士樂中所受的深刻印象，而同時，這種影響又是經過了他個人化理解的。其中的變奏部分，甚至有Math Rock的聽感。
3
Plini
《Papelillo》
在前衛金的樂迷群體中，Periphery、Polyphia、Plini經常被放在一起談論，簡言之，他們的音樂都具有極為濃厚的現代化金屬特點，也因此延伸出“Djent”的概念。普遍來說，最容易受此類音樂影響的人，當屬吉他手群體。
前段時間，“Musicradarofficial”發起一項名為“當今世界十大前衛吉他手”的投票，Plini最終位居第三。而今年11月底，他也同時發佈了自己的新專輯《Impulse Voices》，不得不說，Plini在自己的音樂中，如魚得水。
專輯中有《Papelillo》一曲，開場非常直接，沒有鋪墊，沒有Intro，其中的鼓和Bass響度極大，而這也是Plini音樂中的一大特點，他會特意突出鼓和Bass的聲部，創造出Djent音樂中的律動紮實、渾厚、有力的標誌性特色。而同時，作為一個極為出色的吉他手，他非常清楚他手裡的吉他應該在什麼時候做些什麼。如同《Papelillo》的開場，在鼓和Bass的基地之上，他演奏出了相當明顯的包含各類延伸音的和絃，在古典音樂中，有“高疊和絃”一說，而在爵士樂中，這些和絃則變成至少以七和絃為基礎的九、十一、十三、變化屬、掛留等和絃。再配合其律動，Plini製造出了開場的點綴效果，並以此引入其Solo部分。在這個過程裡，吉他的角色得到了流暢的轉換。而儘管這段開場非常短暫，但要做到這種流暢性，需要的是非常深厚的音樂功底，或者說藝術功底。
Plini的專輯在除去音樂本身之外，還有另一大特點，即他的專輯封面都設計得非常漂亮。而這張《Impulse Voices》的專輯封面，甚至會讓聽者誤以為是一本有關於鳥類、魚類、猿類的童話書封面。
在“Musicradarofficial”的文案裡，曾描述Plini為“he stands alone”，而的確，像他這樣的音樂人，在澳洲並不多見。也因此，他足以成為前衛金屬在澳洲的標誌性人物。而同時，這也側面說明瞭新世紀的音樂正在蔓延至世界的無數角落，無論中國或澳洲，皆是如此。
4
春曉樂隊
《零》
春曉樂隊來自西安，兩年前組隊，知名度還並不廣泛。在其藝人主頁的簡介中，他們描述了自己為“讓非洲喝不上水的孩子們聽到搖滾樂，讓大山裡吃不到冰淇淋的孩子聽到搖滾樂。讓身陷囹圄的人們聽到希望的聲音，讓掙扎在情慾中的男女聽到愛的聲音。”
很顯然，這些話裡包含的含義，依然離不開現代人所面臨的一系列問題，以及這些問題所製造出的內心的衝突和迷茫。在其作品《零》一曲中，他們曾寫：“還要多久我才能屬於我自己。我 又夢到了你，在你開放的季節。漫山遍野全都是你！媽媽，還要多久我才能回家？”
“屬於我自己”對應的，是“不屬於自己”。在當今的現代化進程中，這是許多人所面臨的現實問題，或者說“心靈現實”，且並不令人喜悅，因為它的確很沉重。而這沉重間所包含的不僅是單純的“難過”，而是可以被分解成包含憤怒、敵意在內的各類抑鬱情緒。《零》一曲，用大段的器樂來貼合這類衝突。而其歌詞，是以唸白方式呈現。
2020年接近尾聲，而這一年裡，因疫情所製造的一切，使得人們的生活秩序被打亂。而在人類歷史上，此次疫情並不是唯一的大規模疾病。隨著漫長世紀的更迭，我們一次又一次地找到解決客觀難題的方案。但身而為人，因“心智”而成人。但“心智”上的問題、衝突、分裂已是常態，其箇中緣由，依然需“心智”解決。
5
David Gilmour
《Yes, I Have Ghosts》
《迷牆》之後，Pink Floyd陷入困境，這些困境共同存在於音樂和樂隊的人際關係中。而隨著Roger Waters的離隊，David Gilmour便成為了樂隊的絕對核心，並於1994年發佈專輯《The Division Bell》，成功將Pink Floyd再次推向巔峰。可以說，David Gilmour救活了Pink Floyd。
2015年，David宣佈Pink Floyd解散，而後，他於2016年重回龐貝古城，舉行了一場個人演唱會。再往後，他便拍賣掉了自己的吉他，而他和Pink Floyd之間的關係，也徹底被留在了過往。
今年7月，David Gilmour發佈個人單曲《Yes, I Have Ghosts》。對於這首作品，我們無須進行音樂上的評鑑、分析，憑喜好聆聽即可。
如今的David Gilmour已經七十有餘，一頭白髮。而當樂迷們回首他的過往，皆名利雙收，且並非曇花一現，而是永久地在搖滾樂的領域中留下了自己的名字，而這只是樂迷們的看法，於他自己而言，除了音樂本身，我們也的確無處瞭解他本人的感受。
《Yes, I Have Ghosts》一曲中，他邀請他的女兒Romany Gilmour 一同演唱，如同吟遊詩人一般，其歌詞寫：“Yes,i have ghosts,not all of them dead.And they dance by the moon,millstones white as the sheet，On my bed。/是，有魂魄跟隨於我。他們在月光下跳舞，潔白如床單。”
也許，在David的人生中，魂魄皆真實，而也許這魂魄裡還包括曾經的Syd，也許又不是，而無論是或不是，我們也都無從知曉，也不必知曉，畢竟在漫長的人生中，每一個人都可能成為跟隨每一個人的魂魄，而這魂魄，有時無關生死。
6
惘聞
《孤獨的鳥》
9月24日，惘聞新專《十萬個為什麼》發佈。其中《孤獨的鳥》一曲被樂迷翻譯成“Lonely Bird”，並笑稱為“Lonely God”的姐妹篇。
《孤獨的鳥》一曲基本和聲框架為IV－IIIm－IV－V，形成下屬－屬－下屬－屬的循環。而儘管這首作品為A大調，但全區自始至終都並沒有出現過主功能和絃A（6 、#1 、3），也因此，這首作品在調性上未得到“解決”，從而形成一種持續不斷、懸而未決的聽感。
當然，對於部分樂迷而言，分析後搖滾作品的和聲框架，顯得太過學術化。更多的人，是從感受上去理解的。而這首作品，很顯然不是一首歡快，令人興奮的作品。它調動的，更多的是彌散性的孤單、平緩，或是悲傷感。這一點也許和它極為緩慢的律動有關，緩慢到幾乎沒有了律動。
其中底鼓的重音，如同鈍擊，恍若巨人的腳步，沉緩前行。每一步之間的間隔都顯得冗長。而在全曲漫長的7分多鐘裡，更顯得無邊無際。再冠以號角、貝斯的長音；吉他的噪音；鐘琴的叮嚀，以及接近人聲顫音的採樣音色，似乎都讓這場巨人的旅途變得矛盾、掙扎，像渴望遼闊海面的人，身陷海底。
而這反而讓“孤獨的鳥”四個字聽上去更為瀟灑，因為它的背後，更像是“絕望的海底巨獸”。
7
Men I Trust
《Show me how》
Men I Trust是一支女主唱樂隊，來自加拿大，在聊完了前文的矛盾、衝突、魂魄，以及“絕望的海底巨獸”之後，我們推薦Men I Trust，因為他們的音樂令人感到輕巧、愜意。
實際上，這類型的風格多少有些偏向“Dream Pop（夢幻流行）”，在製作上包含了許多對於混響、延時的應用，音色也相對溫和，律動相對簡潔，沒有太多複雜的變化。但其中所運用的許多和聲，也多少又脫胎於爵士樂的概念。也因此，這類型的音樂簡單又不失層次。而所謂“夢幻流行”中的“夢幻”二字，我們一聽便知。
而在歌詞上，他們寫：“i’m having visions of you ,but then i understand,the friend i’m dreaming of is far away ,and doesn’t feel my love,but i do .（我看到你的幻影，但我後來才清醒。我夢中的你遠在天涯，你不能感覺到我的愛，但我還是這樣愛你。）”
很顯然，聽眾一聽便知其文本內容在描述什麼話題，所以在此也不再贅述，所以我們更希望通過這首歌傳遞“音樂”本身聽感上所帶來的輕巧、愜意，當然了，若是聽眾願意沉浸在“我還是這樣愛你”的語境裡，那也沒有問題：）
8
萬能青年旅店
《冀西南林路行（專輯全長）》
10年前，姬賡在《揪心的玩笑與漫長的白日夢》裡寫：“來到自我意識的邊疆，看到父親坐在雲端抽菸。”眾所周知，姬賡喜愛黑格爾，一位熱衷於探討“意識”的哲學家。而“意識”有“顯”意識，有“潛”意識，在這個領域中，我們肉眼可見的現代文明，實則是“潛”意識的“昇華”。
萬青新專，封面有麒麟擺尾、半臥、回望，如同謎語從“潛”意識中顯形，又以“測量繪圖，爆破合圍，加固文明幻景，開山攔河建水庫，泥沙沉積，運動停息”來描述“昇華”的表象，而其最終落筆處，是“我有迷魂，額頭滾燙。我有迷魂，人間明暗。鳥獸暗語，危險消息。自然友誼，自然躲避。”
迷魂、鳥獸、暗語、自然，在“潛”意識的世界裡，不存在客觀，一切皆主觀。也因此，姬賡筆下所闡述之事為何物，並沒有客觀答案。他只是說，每一個人的世界裡，都有一隻墨麒麟，而探尋這隻麒麟的旅途，則是每一個人自己的“冀西南林路行”，是人人皆入“太行山”。
新專輯共有兩個版本，其中一個是“專輯全長”版，也即“整軌版”。這種做法來源於“概念專輯”，即所有歌曲之間沒有間隔，前一首的結尾是後一首的開頭。最著名的例子，如披頭士《Sgt.Pepper’s Lonley Hearts Club Band》,又如Pink Floyd《Dark Side of The Moon》，而在國內，這樣做的人並不多。
同上一張專輯相比，萬青的吉他部分顯得更為剋制，同時也更多讓位於管絃樂。而作為一支以Blues為基底的樂隊，此次又更向前邁了一步，加入了不少的爵士樂元素。如《繞越》一曲中，貝斯的walking bass line，爵士鼓的碎拍，以及小號的Bebop樂句，皆是標誌性的爵士色彩。
《冀西南林路行》一專，樂迷期待十年之久，一經上線，便獲得令人驚訝的銷量，截止到發稿期，此張專輯已售出36萬餘張，銷售額達到近800萬元。儘管萬青已經被樂迷以“傳奇”相稱，但他們依然還有很長的未來，擁有無限的可能性。也許萬青真有華蓋星盤旋其上，又有驛馬助其踏遍十方，名揚四海。
9
Sufjan Stevens
《Sugar》
Sufjan Stevens出生於1975年，但他的音樂，則像2020年。本期歌單最後一首，我們推薦他的《Sugar》。
此曲前半部分為純音樂，後半部分則加入人聲。當然，在此要說明“純音樂”這個名詞並不存在於任何音樂理論中。所謂“純音樂”，是流行文化對於一首隻有器樂，沒有演唱部分的音樂作品的定義。這首《Sugar》的前半部分，沒有演唱，故在此稱為“純音樂”。
在此曲中，我們可以聽到現代（指現代流行音樂）音樂的標誌性元素之一：電子、碎拍、音效。而在某種程度上，“電子”和“音效”殊途同歸。自從音樂技術發展到21世紀之後，人們藉助科技，打破了過往因為音色、音效上的壁壘。當這些部分得到探索和實踐，再結合音樂中傳統的和聲、節奏等元素，我們便得到了新的“風格”。
故此，《Sugar》一曲，更是聽覺上的純粹感受，若我們將其中的所有聲音一一拆解，會發現它實際上有些複雜，但這一切複雜之物，卻又鋪陳於一氣呵成的，接近於舞曲的律動之上。於是這二者相互影響，後者的存在，使前者不那麼晦澀，而前者的存在，則使後者不那麼蒼白。這是一個熊和魚掌兼得的做法。
2020年馬上過去，音樂會發展，而人也會朝著遠處前進。於此，提前預祝大家新年快樂，我們1月再見。
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